Naturaleza Sensible

Naturaleza Sensible nace a partir de observar, registrar, dibujar  y entrelazar las formas de la naturaleza (directamente las ramas de los árboles) y el dibujo (múltiples líneas que se repiten buscando construir la estructura elemental de la figura humana). Las ramificaciones del árbol  y el trazo del dibujo se mimetizan unificándose dentro de una matriz o tejido.

La técnica empleada para su realización es la integración de varias disciplinas: fotografía, impresión digital, dibujo y pintura  posteriormente intervengo digitalmente hasta lograr la imagen deseada.

Las formas fractales que encontramos en la naturaleza siguen principios de crecimiento y proliferación, ya sea a nivel macroscópico (cósmico)  o a nivel microscópico (atómico). Un ejemplo es el cuerpo humano, constituido por estructuras fractales (predominando la curva, la línea y las ramificaciones), estos patrones repetitivos podemos encontrarlos en cada milímetro de nuestro cuerpo. Si observamos con un microscopio estas formas se encuentran desde la composición de una molécula, las células, tejidos, órganos, sistema circulatorio, sistema nervioso, sistema óseo, sistema muscular, en los bronquios de los pulmones, etc. Incluso el cuerpo en su totalidad es fractal (constituido por cabeza, tronco y extremidades). De igual manera, si observamos nuestro entorno, estas formas se encuentran en las ramificaciones de los árboles, en la grietas que se forman en la tierra seca y en la trayectoria de los rayos. Y viendo a gran escala – desde una vista aérea – también se repiten estas formaciones en los caudales de los ríos o las grandes cordilleras de la Tierra.

Naturaleza Sensible representa esa fuerza de creación y proliferación que se manifiesta en la naturaleza generando nuevas formas de vida.

Considero que el principio y fin del Arte es manifestar la expresión anímica de la realidad que vivimos y esta acción produce un resultado material que es expuesto a una valoración de criterio estético, conceptual y económico. Pero el Arte en esencia es un medio necesario que  ordena  y da forma al ser humano desde adentro hacia fuera y de afuera hacia adentro. Y es así como en ese respirar, movimiento, relación y proceso surgen las ideas que por voluntad propia el artista las convierte  en imágenes. Principalmente este acto creativo se manifiesta gracias a la manera según como el individuo experimenta su existencia y el valor que le otorga e impregna a lo que verdaderamente aprecia y le conmueve.

Gracias a las imágenes que el artista recrea podemos desarrollar una percepción de la naturaleza esencial del ser humano y recordar nuestro origen.

Natalia Cajiao

Tiempo Líquido

La vida se encuentra en un fluir constante de transformación y su existencia es construida por múltiples escenarios variables e irrepetibles. Este devenir o proceso llamado también impermanencia (Anitya en el budismo) significa transitoriedad de todas las cosas. De acuerdo con este concepto, la vida humana manifiesta este flujo en el ciclo de nacimiento y renacimiento, envejecimiento y muerte; idea que choca fuertemente con nuestra codificación social y económica. Los seres humanos tendemos a creer que todo lo que poseemos y somos lo conservamos estable y perenne, hasta que deja de serlo. Y es ahí cuando entendemos que la muerte también podemos evidenciarla cada día y dicha transformación no necesariamente significa que aquello que se modifica de momento a momento deje de existir.

La serie de fotografías Tiempo líquido tiene su origen en el libro “Tiempos líquidos. Vivir en una época de incertidumbre” del autor Zygmunt Bauman, sociólogo Polaco. Bauman describe cuáles son los atributos de la sociedad capitalista que han permanecido en el tiempo y cuáles las características que han cambiado ante la transitoriedad de paradigmas a nivel mundial: Estamos viviendo el transito de una sociedad «sólida» – estable, repetitiva – a una «líquida» – flexible, voluble – en la que las estructuras sociales no perduran el tiempo necesario para solidificarse…

Estamos en una época de incertidumbre causada por el abuso del poder, la deficiencia y corrupción de los grandes mandatarios, el debilitamiento de los sistemas de seguridad que protegían al individuo, el cambio climático, la escasez de recursos naturales, la pobreza, los desastres naturales y el caos generalizado que se desata después de siglos de ignorancia y explotación humana. Esta situación de vulnerabilidad nos obliga a ser más flexibles e inestables. Ante una sociedad guiada por el dinero las relaciones humanas se miden en términos de costo y beneficio —de «liquidez» en el estricto sentido financiero. Y este estado de «liquidez» no conserva una forma determinada, lo que cuenta es el tiempo, su velocidad e inmediatez.

El tiempo se define como la medición de la duración de todas las cosas que siempre están sujetas a distintos cambios, ordenando los sucesos en secuencias. Durante la historia de la humanidad se han inventado diversos mecanismos para medir el tiempo. La fotografía fue el primer dispositivo tecnológico apropiado por los artistas para capturar y congelar esa fugacidad. La obra fotográfica Tiempo Liquido hace este análisis visible tomando como referente la antropología urbana debido a su influencia en la cotidianidad de nuestras vidas. Imágenes de ciudad conformada por lugares, situaciones y momentos yuxtapuestos que se repiten y se desvanecen en su propia existencia y naturaleza etérea… metáforas adecuadas para comprender en muchos sentidos la dinámica de la sociedad actual y su representación en el arte.

Las fotografías de Tiempo Liquido fueron realizadas con una película fotosensible (cámara análoga) tomando varias fotos en el mismo negativo (exposición múltiple). Su revelado es por proceso químico y la impresión es digital.

Natalia Cajiao

Tejido Urbano

La serie de pinturas de Tejido Urbano se caracteriza por la construcción de formas geométricas creando una matriz o tejido a partir de imágenes registradas y elementos que encuentro en el paisaje urbano y en las formas de la naturaleza. Para unificarlo sobre el soporte empleo diferentes tipos de materiales, pinturas y técnicas de grabado, estampación y fotografía.

Cada imagen es única, sin embargo hay patrones y estructuras que se repiten creando otras derivaciones y relaciones entre ellas.

La pintura es un referente vital para mantenerme constante en mi trabajo artístico, me da forma mientras doy forma, compongo mis ideas y ordeno mi pensamiento desde adentro hacia afuera y afuera hacia adentro.

Cali-Grafía

Caligrafía surgió a partir de observar y admirar la gran creatividad que tenemos los colombianos para expresar y comunicar todo lo que queremos exhibir, vender, promocionar ydenunciar, utilizando medios y formas muy distintas y originales que atrapan y cautivan la mirada del peatón. Un ejemplo de este patrimonio cultural son los diseños pintadosa mano que aparecen al bajar las cortinas metálicas de los locales comerciales que sirven de puerta y a su vez de lienzos para pintar, escribir o graffitear.

Caligrafía, es un testigo del movimientocomercial, industrial y social representado en el arte callejero el cual conforma nuestro paisaje urbano influenciado por su situación actual.

Natalia Cajiao

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La serie de fotografías de Natalia Cajiao titulada Cali-Grafía, constituye un valioso testimonio acerca de la expresión urbana en la ciudad de Cali en este momento. Las imágenes consisten en grafitis, es decir, en diseños y escritos que han sido plasmados en las cortinas metálicas que protegen establecimientos comerciales a lo largo y ancho de la ciudad, y además de ser de gran formato, se presentan impresas sobre una variedad de lámina metálica con lo cual se enfatiza su origen y contexto.

Las imágenes registradas pueden catalogarse como arte popular puesto que lejos de ser producto de un entrenamiento académico son fruto del talento alimentado por experiencias personales y de la comunidad. En este sentido la exposición podría considerarse como una especie clase de documento grafológico social, puesto que su apreciación permite vislumbrar, no sólo algunos de los alcances que la cultura popular le otorga a la comunicación pictórica, sino en primer lugar, valores, propósitos y expectativas estrechamente imbricadas en el imaginario colectivo.

Eduardo Serrano/ Curador

FOTOLOGIA 06

Festival Internacional de fotografía de Bogotá 2008

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La ciudad como referente es la idea principal que gira entorno a la última serie fotográfica de Natalia Cajiao, la búsqueda de iconos urbanos mas allá de los ya re-conocidos, que permita adentrarse mas en las culturas que habitan la ciudad, conociéndolas, reconociéndolas y dándolas a conocer, es el principal objetivo de la artista con este trabajo fotográfico.

En su observación urbana la artista encuentra diferentes diálogos establecidos entre la ciudad y los sub-grupos que la habitan, el comercio, los graffitis, los anuncios de locales comerciales pintados a mano, los mensajes políticos superpuestos, y una infinidad de grafías que juegan con el donde, el como, el quien y el porque, mensajes anónimos mostrados como murales urbanos nocturnos.

Las cortinas de los establecimientos comerciales del centro de la ciudad funcionan como lienzos en blanco para que los otros se expresen y compartan su realidad, leer cada mensaje es compartir la realidad del otro, aunque la cotidianidad urbana obligue a que este análisis no exista necesariamente, esta serie evidencia esta reflexión y acerca al público a las realidades de otras personas que co-habitan la urbe.

Es curioso el juego establecido en este trabajo pues si bien los discursos, anuncios, graffitis y demás grafías fotografiadas connotan una urbe activa, las fotos son tomadas de noche, cuando las cortinas se bajan y los establecimientos cierran quedando la dualidad entre una ciudad dormida y una ciudad en movimiento.

Este trabajo observa a la ciudad como campo fecundo del discernimiento del arte, fecundidad relacionada directamente con sus habitantes, sus discursos, y toda la gama de pensamientos que se gestan en toda sociedad moderna, como: el comercio, la política, el inconformismo y demás factores implícitos.

Cali – grafía es un recorrido por un lugar no – común de la ciudad, un espacio y momento en el cual sus habitantes no transitan, las cortinas y paredes son las protagonistas, los mensajes escritos sobre ellas son las expresiones de un largo mural que muestra la creatividad popular y que hace parte de la realidad actual de la misma.

Juan Pablo Lopez/ Gestor Cultural

Alianza Francesa/

Cali, Colombia 2008

Reflex

El proyecto Reflex  consiste en una serie de fotografías de vitrinas captadas en ciudades que ha visitado, revelando su irónica mirada sobre el glamour, el ambiente que envuelve la moda y su distanciamiento del mundo real. El vidrio que separa los escenarios creados con maniquís y ropas registrados en estas imágenes, funciona como una película de aislamiento del mundo artificial generalmente adverso a su entorno.

Hablar de moda y de su sistema, que a pesar de su importancia para el sistema capitalista y la cultura, está todavía relegada a la antecámara de las preocupaciones de los intelectuales, que ven en ella una manifestación frívola da la humanidad. Son pocos los artistas e intelectuales que se aventuran a investigarla y cuestionar su problemática seriamente junto a su historia social e fenomenológica.

Comprender la evolución arquetípica de la moda en el tiempo, nos permite también comprender nuestra sociedad direccionada para la producción – consumo – comunicación en masa, estrategia lógica del mercado capitalista enfocada a la seducción y enfermedad de las “cosas” materiales y sensoriales. Las vitrinas también son el lugar donde se da esa seducción del consumidor.

Presentar estas imágenes de vitrinas en la vitrina de Lugar a Dudas crea, por lo tanto, un diálogo provocativo con este entorno, pues causa una extrañeza en las personas que por ahí circulan. Se trata, además, de una doble representación de una realidad que se refleja y trae un discurso fuerte sobre el significado de las transformaciones urbanas de este lugar llamado Granada, caracterizado por sus locales comerciales, ubicado en la ciudad de Cali.

Ricardo Resende/ Crítico de Arte/São Paulo, Brasil.

Intimidad Pública

La fotografía de Natalia Cajiao no sólo armoniza conceptos contrarios como público y privado y como expresivo y testimonial, sino que es susceptible de múltiples aproximaciones la mayoría de las cuales conducen a consideraciones que trascienden los límites mismos de las imágenes. Su obra, por ejemplo, divulga intimidad puesto que expone a la apreciación de un público mucho más amplio que el esperado, no sólo prendas tan entrañables como las cobijas y sábanas de gente anónima, sino sus vestimentas, su segunda piel. Pero se trata de una intimidad de carácter sociológico, que habla de atributos y costumbres de la sociedad, de la economía, y de las circunstancias de una ciudad o de un país, y que ayuda a comprender el hondo arraigo de los comportamientos humanos.

Desde otro punto de vista puede afirmarse también que su trabajo depende en gran medida de aspectos de la realidad encontrada, tropezada al azar, y que en este sentido tiene cierto valor de documento, de imagen objetiva y verídica. Pero el meollo de su obra está más cerca de los argumentos sociológicos que involucra y de las insospechadas revelaciones de elementos supuestamente anodinos que permite percibir, puesto que su trabajo se asienta en conceptos que la facultan para involucrar en su desarrollo desde raciocinios de tipo social hasta consideraciones estéticas, y desde señalamientos urbanísticos hasta comentarios relativos al gusto e imaginario populares, a partir de hechos y escenarios que para otros fotógrafos pudieran parecer áridos o prosaicos.

Las imágenes de ropa extendida para su secado, registradas en diversos lugares y que conforman esta exposición, son dicientes  acerca de hechos y usos sociales que se repiten alrededor del mundo.

Revelan la uniformidad internacional del hábitat de una determinada clase social, la insatisfacción espacial con sus viviendas y permiten hasta vislumbrar su hacinamiento en la privacidad.  Detrás de las cuelgas de ropa, se alcanzan a ver los edificios, no tan parecidos en su arquitectura como en sus condiciones y en las ventanas y rejas de sus fachadas, los cuales complementan con su aspecto de colmena, entre dividido y aglomerado, la información que ofrecen los textiles sobre los residentes.

Las protagonistas de estas imágenes, sin embargo, son las prendas, por su aspecto un tanto fantasmal, porque en ocasiones parecieran habitadas por cuerpos invisibles, porque en otras oportunidades parecieran recién despojadas de la vida, y por conllevar cierto carácter de ornamentación urbana

En algunas tomas el viento hinche las prendas, y éstas se recortan contra el cielo como enormes cometas o globos que le aportan movilidad y liviandad a las escenas. Pero sus registros no sólo inducen a considerar las prendas en sí, sino que simultáneamente permiten identificar el número de personas en cada núcleo familiar, el género y edad de sus integrantes, y con un poco de atención, hasta las diversiones favoritas, y los deportes que practican.

Por último, también podría afirmarse que las fotografías de Natalia Cajiao ponen de presente un interés en la expresividad intrínseca de elementos inanimados como ropas, tapetes y toallas, hecho que sin duda ha contado entre sus reflexiones. Pero en realidad su producción es ante todo resultado de una mirada atenta a hechos y circunstancias que resultan elocuentes acerca de las costumbres y relaciones humanas, acerca de  expresiones urbanas anónimas, y acerca del imaginario popular. Sus registros no sólo otorgan una imagen, un contexto visual y un escenario adecuado al conocido precepto de que “la ropa sucia se lava en casa”, sino que cuentan también con el valor agregado de ser técnicamente impecables, de que individualmente son atractivas, y de que en conjunto conforman todo un tratado sobre el poder escudriñador y revelador de la fotografía.

Eduardo Serrano/ Curador

Cámara de Comercio/

Bogotá, Colombia.

2009

Dins del meu Cor

A partir de la serie Transfiguración, quise insertarme en espacios urbanos de la ciudad de Barcelona. Nuevamente con la intención de representar mi proceso de adaptación a una ciudad nueva que empezaba a ser parte de mi. Dentro de mi corazón se encuentra Barcelona, años de mucha felicidad y realización plena como mujer y estudiante de arte.

La serie Dins del meu Cor son fotomontajes sin intervención digital. Proyecciones de diapositivas sobre tendederos de ropa y sobre pinturas de gestos abstractos expresionistas que durante ese momento estaba haciendo en mi taller donde también vivía absorta en mi que hacer. Haciendo referencia la cuerpo como ausencia o presencia.

Hacer arte se había convertido en mi alimento en donde no había límites entre la vida y la obra. Y sin que empezara el día o terminara no había descanso. Fue en ese despertar donde ame el Arte.

Esta obra se hizo sola entre el movimiento de mi espíritu inmerso en la energía creadora y el anhelo de unificar mi mundo interior y el exterior con lo que tenía a disposición.

Las obras que componen esta exposición, la artista Natalia Cajiao retrata la experiencia del viaje, circunstancia en la que cuerpo y espíritu se alejan del lugar de origen; distanciamiento en el que paradójicamente se siente más cerca de sí misma: en soledad, esa extraña condición de la libertad que le plantea una pregunta sobre sí, a la que responde con lo que tiene a mano: el talante creador y su imagen en un documento de identidad, su credencial en un país desconocido.

Asimismo, las obras de la serie Dins del meu cor son fruto de la necesidad de habitar la ciudad —Barcelona, en este caso—, que no es otra cosa que dejarse habitar por ella, dejando que su huella quede impresa en la memoria, en el corazón. De ahí esa presencia en diversos lugares de la urbe en sus composiciones, haciendo parte del paisaje citadino, a modo de aparición que a la vez humaniza esa poderosa máquina que es la ciudad.

Alberto Ayala

Transfiguración

Transfiguración  es una serie de autorretratos elaborados con fotoserigrafía siguiendo el concepto de único/múltiple en la estampación.

Esta imagen es la fotografía de mi documento de identidad español durante mi residencia de 5 años en Barcelona. La acción de reproducirla era la necesidad de verme transformarme en otra cultura diariamente.

Para lograr estas imágenes rayaba, mojaba, quemaba, arrugaba y trataba  la matriz para que la imagen variara sin dejar de ser la misma. Dejando una huella muy evidente y de manera secuencial a medida que era reproducida y a su vez intervenida trasformando su forma.